Photomatix Pro (HDR) – Un outil de création

Dans un de mes articles précédents, ‘’La photo à l’intérieur de la photo’’, j’ai fais allusion aux limitations de l’appareil photo concernant sa capacité de percevoir et d’analyser les éléments visuels à l’intérieur d’une scène versus le cerveau humain. Dans cet article, je vais traiter d’une autre limitation de l’appareil, soit sa capacité de percevoir la grande gamme dynamique de luminosité dans une image numérique. Dans une image numérique, il y a 256 valeurs de luminosité codées variant entre 0-255 sur chaque plan rouge, vert et bleu, entre chaque pixel. L’écart d’intensité lumineuse entre le pixel le plus lumineux et le plus faible, non noir, n’est que de 255. Dans la réalité, le cerveau humain est capable de percevoir une bien plus grande gamme dynamique de luminosité que le capteur numérique. Pour plus de détails voir : http://fr.wikipedia.org/wiki/Imagerie_%C3%A0_grande_gamme_dynamique De façon plus simple pour le photographe, l’œil humain peut percevoir jusqu’à 11Ftop de lumière, tandis que l’appareil photo perçoit seulement 3 Ftop.
Cette limitation de l’appareil se manifeste souvent lors de circonstances ou il y a de grands écarts de luminosité et de contraste dans une scène. Bien que le cerveau humain soit capable de s’ajuster à ces écarts, le capteur numérique est plutôt limité. Dans l’image qui suit, prise sur le mode automatique, le capteur numérique, influencé par la grande quantité de lumière provenant de la portion du ciel comparativement à celle de la portion terrestre, à fait une moyenne donnant comme résultat une portion terrestre assombrie et une image qui manque d’éclat.

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Dans la prochaine image, j’ai pris contrôle de l’exposition en mode manuel en ajoutant un stop de lumière pour mieux saisir la portion terrestre, celle-ci devient mieux exposée. Par contre, le ciel lui, devient surexposé et on y perd beaucoup de ses détails.

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Dans la troisième photo, j’ai sous exposé la scène d’un stop afin de conserver les détails du ciel. Bien que j’ai réussi, j’ai par contre perdu beaucoup de lumière dans la portion terrestre.

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Comment saisir une image adéquate dans de telles circonstances? La tâche s’avère très difficile dû aux limitations de l’appareil. Il existe une seule façon de procéder à la prise de l’image dans de telles circonstances, en utilisant un filtre à densité neutre gradué pour assombrir la portion du ciel. Vous en trouverez un exemple ici : http://en.wikipedia.org/wiki/File:GND_demo.jpg Autre que ca, les corrections devront être effectuées après la prise de vue, soit dans un logiciel comme Photoshop ou Lightroom. Dans un tel cas, il sera préférable d’utiliser un fichier RAW sous exposé d’environ un stop, puisque les portions surexposées ne se corrigent pas.
Il existe un autre moyen qui permet d’atteindre des résultats intéressants, et c’est sur celui-là que je veux attirer votre attention. Il s’agit du logiciel autonome Photomatix Pro 5.0. Ce logiciel vous permet de créer une image à grande gamme dynamique, d’ou le terme HDR pour ‘’High Dynamic Range’’.
Pour y arriver, il vous suffira de produire au moins 3 images de la même scène, préférablement en format RAW, ‘’Voir mon article du 26 novembre 2013, ‘’ Fichier RAW ou JPG’’. La première image sera exposée à -1 stop , la 2em à 0 et la 3em à + 1 stop de lumière, soit -1, 0, +1. Voir les 3 photos précédentes.

Ensuite, il s’agit de transférer vos 3 images RAW dans le logiciel Photomatix Pro. Par le biais de la fonction ‘’tone mapping’’de ce logiciel, les 3 images seront intégrées pour finalement produire une 4em image contenant toutes les gammes dynamiques de lumière des 3 images. Il s’agira ensuite d’ajuster la luminosité de l’image à votre gout. La prochaine photo démontre le résultat final.

Grange HDR logo

Voici quelques autres exemples de photos traitées avec Photomatix Pro:

Chaise plage logoFerme Hinton logoQuébec base ville logo

Ce logiciel permet également de créer une grande gamme d’images surréelles et créatives, dont voici quelques exemples.

Escavatrice HDR logoQuenouilles étang HDR logoPoudrière logo

Durant la prise de vue, il est important de maintenir la même ouverture de diaphragme pour chaque photo tout en variant les vitesse d’obturation, afin de maintenir une profondeur de champs constante.
Bien que les goûts ne se discutent pas, personnellement, je favorise à l’occasion ce logiciel pour réaliser des images dont les résultats reflètent des circonstances de lumière possibles ou discernables par l’œil et le cerveau humain. Par contre, Photomatix Pro se révèle également un outil qui me permet de créer des images qui reflètent mes sentiments et humeurs lors de l’expérience de prise de vue. À vous d’en juger.

Vous pouvez vous procurer le logiciel Photomatix Pro ici : http://www.hdrsoft.com/download.html. Des ajouts complémentaires sont également disponibles pour les utilisateurs de Photoshop CS, de Lightroom et de Aperture.

Si vous désirez une formation en personne sur le logiciel Photomatix Pro, veuillez communiquer avec moi.

Là-dessus je vous quitte en vous disant, poursuivez votre passion!

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La ‘’correction’’ versus la ‘’modification’’ de photos

Parmi la communauté en générale, on entend souvent la question suivante; ‘’Est-ce que cette photo est ‘’photoshopée’’? Cette question fait surface principalement dû au fait que notre société est maintenant inondée de photos qui ont été tellement modifiées à l’aide de logiciel que le produit final ne reflète pas toujours la réalité. Par exemple, il suffit de portée attention aux visages des modèles à la peau parfaite et aux corps célestes que nous présentent les gurus du marketing dans les magazines et sur l’Internet. Nous sommes nourris d’image modifiées continuellement, à un point ou il nous devient difficile de faire la différence entre la réalité et le surréel. Pas étonnant que la question soit fréquemment posée aux photographes; ‘’Est-ce que ta photo est Photoshopée?’’
Je veux apporter votre attention non pas sur la photo modifiée, mais d’abord et avant tout sur la photo corrigée.

Il arrive à l’occasion qu’une photo soit réalisée à la perfection à la prise de vue, toutefois, c’est plutôt l’exception que la règle surtout pour les photographes amateurs. Chose certaine, le pourcentage de réussite dans le champ augmente considérablement au fur et à mesure que le photographe perfectionne ses habiletés. Ceci dit et depuis les tout débuts de la photographie, même les meilleurs photographes ont dû et doivent encore composer avec les limitations de la technologie disponible. La ‘’chambre noir » a toujours fait partie intégrale du processus de créativité. Aujourd’hui ce rôle est joué par des logiciels tels Lightroom et Photoshop entre autres. Il va de soit qu’une photo bien réussi lors de la prise de vue sous des conditions idéales nécessitera aucune ou très peu de correction. À l’inverse, moins les conditions seront bonnes à la prise de vue, plus elle nécessitera de correction. Ceci étant dit, la correction est une chose, les modifications est tout autre chose.

Personnellement, je suis de ceux qui tentent la plupart du temps de produire une photo finale qui reflètera mes émotions et mes sentiments lors de la prise de vue. Pour y arriver, je dois parfois effectuer certaines corrections à l’image finale. Il peut s’agir entre-autre de corrections au niveau de l’intensité de la lumière, de la saturation ou encore du contraste. Dans la grande majorité des cas, je préfère limiter mes corrections et tenter de reproduire des conditions de lumière qui demeurent autant que possible dans le royaume du réel, même si parfois les conditions n’étaient pas entièrement présentes cette journée là. Voici deux exemples de corrections effectuées sur un sujet saisi un jour ou la lumière n’était pas à son meilleure pour le premier, et en situation de lumière difficile pour le deuxième.

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Corrections après la prise pour recréer une lumière douce du matin; augmentation de l’exposition de 1 stop et demi, légère accentuation de la saturation sur les bourgeons, et ajout léger d’une vignette.

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Corrections après la prise pour contrer les effets de conditions de lumière difficiles; réduction de l’exposition de 1 stop et demi pour envoyer les rochers mal éclairés dans le noir et en même temps saturer la lumière sur les algues.

Le prochain exemple démontre des modifications extrêmes è l’image.

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Oui celle-ci est ‘’photoshopée’’ dans le logiciel Photoshop Élément 10

Ont entend souvent parler du logiciel Photoshop de Adobe qui, bien que très performant, est essentiellement un outil de création pour graphistes. Il sert également très bien pour la correction et la modification de photos. Toutefois, de part sa nature, sa courbe d’apprentissage est relativement abrupte et demande beaucoup d’heures et de patience pour le maitriser.

Heureusement qu’il y a Lightroom!

Plusieurs membres de la grande communauté des photographes s’entendent aujourd’hui pour dire que le logiciel le plus performant maintenant disponible aux photographes est Lightroom d’Adobe. Ce logiciel puissant et rapide, est entièrement dédié à la photographie. Celui-ci se détache des autres logiciels disponibles par la simplicité de ses fonctions et la façon ordonnée de son interface. Relativement peut dispendieux, vous pouvez l’acquérir pour 149$US) ici : http://www.adobe.com/ca_fr/products/photoshop-lightroom.html. Vous pouvez également accéder à Lightroom5 pour une période d’essaie de 30 jours ici : https://www.adobe.com/cfusion/tdrc/index.cfm?product=photoshop_lightroom&loc=fr

Pour les intéressés, le 19 avril prochain, je vais offrir un atelier d’initiation à Lightroom5. Pour plus d’information, communiquez avec moi. Pour vous inscrire, visitez mon site http://www.jeanpaulboudreauphotographie.com

Je termine en vous disant, poursuivez votre passion.

Comment photographier des silhouettes

Habituellement, je parle de l’importance de bien exposé votre sujet afin d’en faire ressortir les détails, les couleurs et les textures correctement. Il y a toutefois des occasions où l’ont veut faire exception à cette règle, surtout quand on veut faires des silhouettes.
Guimauve sur la plage Pecheur le soir
Les silhouettes sont une façon merveilleuse de produire des photos qui provoqueront des émotions et des humeurs à ceux qui verront vos photos. Celles si se démarqueront de vos autre photos par leur simplicité et la force du message qu’elles transmettront. Les silhouettes peuvent servir à accentuer le drame, le mystère, la quiétude, le danger et tant d’autres sentiments. Ce que j’aime surtout des silhouettes, c’est qu’elles ne racontent pas l’histoire dans tous ses détails et elles provoquent l’imagination.

Les photos qui suivent en font foie.

Photos silhouettesVaraderoPecheur coucher de soleilKayakeuse

Comment photographier des silhouettes

1. Choisissez un sujet visuellement fort

Ont peut faire une silhouette avec presque n’importe quoi, toutefois, certains sujets sont meilleurs que d’autres. Choisissez quelque chose dont la forme est forte et reconnaissable et qui sera assez intéressante dans sa forme bidimensionnelle pour retenir l’intérêt de ceux qui verront votre photo. En faisant des silhouettes, vous ne pouvez pas faire appel aux couleurs, textures et tons de vos sujets pour les rendent attrayant, donc les formes doivent être distinctes.

2. Fermez votre flash

Assurez-vous de réglé votre flash de sorte qu’il ne fonctionne pas durant la prise de vue. Vous ne voulez pas jeter aucune lumière sur votre sujet.

3. La lecture de lumière

La stratégie de base qu’il vous faut adopter pour produire une silhouette est de placer votre sujet (la forme que vous voulez en noir) à contre jour, c’est-à-dire entre vous et la source de lumière que vous allez utiliser. Vous devrez régler votre appareil de sorte à mesurer la portion de lumière la plus puissante (dans l’arrière plan) et non sur le sujet de votre photo. En faisant de la sorte, votre sujet sera sous-exposé, soit très foncé ou sinon noir pour accentuer l’effet du mystère. En somme, vous devez faire croire à votre appareil que ce sont les parties éclairées de l’arrière plan qui vous intéressent principalement.

4. Composez votre image

Composer votre photo de sorte à placer votre sujet devant un bel arrière plan brillant et simple. Habituellement les meilleurs arrière plans seront des ciels brillants sans nuages au soleil couchant ou levant. Positionnez votre sujet pour qu’il obstrue la source de lumière la plus brillante tel le soleil.

5. Faites des formes en silhouette distinctes et sans distractions dans l’arrière plan

S’il y a plus d’une forme ou objet dans l’image que vous tenter de mettre en silhouette, tenter de les tenir séparés. À titre d’exemple, si vous tenter de silhouetté un arbre et une personne, ne placez pas la personne devant l’arbre ou même appuyée sur l’arbre car ceci aura pour effet de confondre les deux forme en une. Ceci aura pour effet de porter à confusion quand à la forme que vous voulez créer.
Quand ont photographie un personnage en silhouette, il est préférable de les prendre de profil plutôt que de face. Ceci vous permettra de mettre en évidence les traits tels, le front, le nez, et la bouche. Vous pouvez faire exception et les photographier de dos à l’occasion.

6. Réglage de votre appareil

Évitez de régler votre appareil sur le mode automatique, puisque votre appareil tentera d’exposer votre sujet correctement, révélant ainsi ses détails et surexposant en même temps l’arrière plan. Optez plutôt pour le mode manuel en prenant une lecture de lumière sur la portion la plus brillante de la scène. Certains appareils offrent un mode de lecture de lumière central (spot metering) plutôt qu’une mesure moyenne ou multiple de la scène. Ce mode vous servira bien en permettant d’indiquer à votre appareil l’endroit exact où prendre la lecture de lumière.

7. Le foyer

Dans la plupart des cas, vous voudrez vous assurez que votre sujet en silhouette soit la portion la plus en foyer de votre photo. Je vous suggère d’utiliser votre foyer en mode manuel plutôt qu’en mode automatique.

8. Variations

Bien qu’une silhouette complètement noir peut produire une photo puissante, considérer également produire des silhouettes partielles où certains détails y sont présents. Parfois une ‘’touche’’ de lumière sur le sujet les rends un peu plus tridimensionnels et ‘’vrai’’.

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Le terme ‘’bracketing’’ en photographie signifie effectuer des prises de vue additionnelles à partir de la première en sous-exposant et surexposant un peu. Dans le cas de silhouettes, je vous suggère de faire des prises additionnelles de plus ou moins un Fstop et aussi de plus ou moins un demi-Fstop. Cette approche vous donnera un meilleurs choix quand viendra le temps de sélectionner vos photos en silhouette

Les Choix de sujets qui s’offrent à vous sont innombrables pour vous permettre de poursuivez votre passion!

PokeshawPhotographe lune havre

RAPPEL

Je vais offrir un prochain cours de photographie Niveau 1 les 24 mai et 7 juin prochains.
J’offre également un atelier d’initiation au ligiciel Lightroom5 le 19 avril 2014.
Les places se remplissent rapidement.

Communiquer avec moi si vous dérirez plus d’information.

Savoir quand briser les règles

Depuis notre tendre enfance on nous a enseigné les règles à suivre; règles de conduite en société, règle de grammaire, règle de mathématique, règle des jeux, etc. Certaines de ces règles ne laissent pas tellement de marge de manœuvre puisqu’elles font partie de la science connues. D’autre sont soit nécessaires pour assurer une société cohérente, ou découlent de paradigmes avancés par des années d’expérience et de connaissances accumulées. Toutefois, beaucoup de progrès ont été réalisés aux travers des âges par des gens qui ont osé défier les règles dans un élan créatif, pour atteindre des résultats qui ont souvent permis d’acquérir une nouvelle perspective. Ces esprits créateurs qui osent penser en dehors de la boite, ont un facteur en commun; ils ont une bonne connaissance et ils maitrisent les règles qui régissent leurs domaines d’intérêt.
Ce phénomène de créativité se retrouve également en photographie, mais seulement quand on commence à maitriser les règles qui régissent le médium. Certains photographes reconnus adhèrent strictement au règles établies, d’autre par contre, doivent leur renommé au fait qu’ils refusent de s’y soumettre. Pour ma part, je fais partie de ceux qui apprécient la valeur de ces règles mais qui trouve un plaisir mignon à les flouer à l’occasion. C’a m’arrive surtout quand les règles établies ne me permettent pas d’exprimer ma vision et mes sentiments du moment.

Foyer et profondeur de champs sur le sujet principal
Tel fut le cas lors d’une randonnée en kayak à voile avec un bon ami sur la Baie des Chaleurs. Par ce soleil chaud d’été, l’air salé et le plaisir de me sentir transporter sur les vagues par un vent chaud, il me semblait difficile sinon impossible de capturer ce moment sublime en utilisant les règles établies. C’est à ce moment que j’ai décidé de mettre de coté l’approche sage et de suivre mon intuition. Voyez vous-mêmes le résultat dans la photo qui suit.
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Au lieu de faire le foyer sur le sujet principal, mon ami le kayakeur, comme il est de mise, j’ai plutôt mis l’image hors foyer ayant pour résultat de rendre les gouttelettes d’eau qui recouvraient ma voile floues . J’ai aussi opter pour une grande ouverture de diaphragme qui me permis de réduire la profondeur de champs et de ce fait, augmenter d’avantage le flou sur le kayakeur. Sans m’en rendre compte à ce moment, j’ai même briser une des règles mes plus chères, soit celle d’avoir une ligne d’horizon droite et au niveau. Une ligne d’horizon croche, ne soit que de quelques degrés, est à éviter selon les règles puisque qu’elle produit un déséquilibre visuel. Toutefois, dans ce cas si, ce déséquilibre met l’emphase sur le roulis des vagues. Résultat, une image créative qui me fait encore revivre ce moment à chaque fois que je la regarde.

Remplir le cadre

Le but de remplir le cadre et de traiter le sujet avec intimité sert à mettre l’emphase sur celui-ci.
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Vous pouvez délaisser cette règle et plutôt opter pour une autre, celle de l’espace négative qui, quand elle est bien utilisée, permet de mettre l’emphase sur votre sujet de façon tout aussi efficace.
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Ne pas faire face à la lumière

On nous a tous appris que nous devons illuminer notre sujet de front ou de coté ou des deux, qu’on utilise la lumière naturelle ou un flash. Ceci permet de bien montrer les détails et les textures de notre sujet.
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Toutefois, si vous ne prenez jamais votre sujet avec la lumière à contre-jour, vous ne produirez jamais de silhouettes.
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Ne jamais photographier votre sujet de dos

Il va de soit que si vous photographiez des gens, les visages sont une composante importante. À quoi sert un portrait si on ne peut pas voir les visages?
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Il reste qu’une photo de dos peut être potentiellement très puissante par le mystère qu’elle créer au niveau du sujet et l’emphase qui est mis sur l’environnement.
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L’appareil ne doit pas bouger et la vitesse d’obturateur doit être suffisante pour geler le mouvement

Il va de soit que cette règle ne doit pas être prise à la légère dans la grande majorité des cas. Toutefois, vous est-il comme moi déjà arriver d’avoir le blocage du photographe? Ce phénomène qui se manifeste parfois, nous laisse dans un état créatif léthargique où on semble manquer d’imagination et où on n’arrive pas à trouver des sujets intéressants. Heureusement il y a un antidote à cette condition. Pour moi, elle consiste à fermer l’ouverture du diaphragme de mon objectif à son minimum afin d’obtenir une vitesse d’obturateur lente, telle 1/15sec ou moins. Ensuite, je capture n’importe quel sujet en bougeant mon appareil durant le temps d’exposition de haut en bas, ou de droite à gauche, en mouvement circulaire ou en zigzag. Au fur et à mesure que je progresse dans cet exercice, je tente d’appliquer la méthode en utilisant les règles de composition bien établies. Les résultats ne sont pas toujours conclusifs, mais il m’arrive parfois de créer des images abstraites percutantes. Il reste que l’exercice en vaut la peine et elle permet à tout coup de briser le blocage et d’ouvrir à nouveau les vannes de la créativité.
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Ces quelques conseils vous permettront sans doute de poursuivre votre passion.

Un des avantages du filtre polariseur

Du temps de la pellicule, un grand choix de filtre était disponible sur le marché afin permettre aux photographes de créer une multitude d’effet lors de la prise de vue. De nos jours, la plupart de ces filtres sont devenu pratiquement désuets puisque ces effets sont reproduits par l’intermédiaire des logiciels tels que Lightroom et Photoshop.

Toutefois, quelques-uns de ces filtres sont encore très prisés, tout particulièrement le filtre polariseur, car les effets de celui-ci n’ont pas encore été recrées par aucun logiciel. Dans le court vidéo ci-joint, je vous fais une démonstration de l’un des ces avantages.

Voilà un autre coup de pouce qui vous permettra de poursuivre votre passion.

Un des avantages du filtre polariseur: http://youtu.be/ESQXKwyrDs0

Exposition sur la neige, source de frustration et solution

Exposition sur la neige, source de frustration et solution

Combien de fois vous avez-vous éprouvé de la frustration en découvrant que vos photos prisent en hiver se révèlent sous exposées? La neige qui doit normalement être blanche est plutôt grisâtre ou bleuâtre, et les tons bleus du ciel sont assombris?  Ce problème de sous-exposition se manifeste surtout quand la scène est éclairée devant ou de coté. Ce problème est dû au fait que le manufacturier a donné la consigne suivante à votre lecteur de lumière : ‘’Le monde est un gris neutre à 100%.’’ Votre lecteur de lumière pense que tout devrait être gris, donc il prend les couleurs telles que les blancs brillants et les rends gris comme il lui a été prescrit. Il fera de même quand vous photographier des sujets noirs, il tentera de les rendent gris.

Heureusement, il y a une solution facile pour corriger l’exposition de sorte à toujours obtenir une neige blanche et un beau ciel bleu. La première consiste en une formule qui fut découverte il y plus de 50 ans, à une époque où le lecteur de lumière n’existait pas encore. La formule est la suivante : une ouverture de F16 à ISO 200 à une vitesse d’obturation de 1/200sec vous donnera une bonne exposition à chaque fois. Si une ouverture F16 ne fait pas votre affaire et que vous désirez plutôt une ouverture de F11, il vous suffit de doubler votre vitesse d’obturation à 1/400sec. À chaque ouverture de diaphragme additionnelle vous n’avez qu’à doubler votre vitesse d’obturation.  Le terme anglais pour cette formule est : ‘’Sunny Sweet Sixteen’’.

La  photo de gauche qui accompagne ce texte fut prise en mode automatique, comme vous pouvez le constater, elle est sous-exposée. La photo de droite  fut prise à F16, ISO200, 1/200sec. L’exposition de cette deuxième photo est nettement préférable à la première vous en conviendrez.

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Je vous propose de mettre en pratique cette formule dès que possible afin que vous la maitrisiez et ainsi poursuivre votre passion.

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Vous désirez apprendre à produire des meilleures photos? J’offre des cours aux photographes amateurs débutants et avancés. Pour en savoir plus, communiquer avec moi à boudrot@nb.sympatico.ca ou téléphonez-moi au 506-542-9339 ou visitez mon site à www.jeanpaulboudreauphotographie.com pour connaitre les dates de mes prochains cours et ateliers.

Archiver pour retrouver vos photos

Suite à mon dernier article ‘’Archivez vos photos, mieux vaut commencer maintenant’’ publié le 23 janvier 2014, il est maintenant approprié de vous parler des méthodes de récupération de vos photos.

Quand viendra le jour ou vous voudrez recouvrir certaines de vos photos, vous voudrez éviter de devoir les visionner une à la fois, une tâche qui peut s’avérer lourde lorsque vous avez plusieurs photos. La première chose que vous devez faire lorsque vous faites la sélection de vos photos ou après les avoir retouché, c’est de bien les identifier en y ajoutant des mots clés. C’est mots clés doivent représenter l’aspect descriptif de la photo, et ceux qui vous viendront le plus facilement à l’esprit lors de votre recherche. J’explique le processus dans le court vidéo qui suit ici : http://youtu.be/xxG1FCUfv_

Pour que ceci fonctionne bien, vos photos doivent être bien identifiées. Par exemple, pour une série de photos faites à Percé en 2012, les mots clés devraient ressembler à ceci : Percé 2012.jpg. Pour être plus précis, les mots clés pourraient ressembler à ceci : Percé rocher 2012.jpg, ou encore, Percé quai 2012.jpg. Tâchez de choisir des mots clés qui seront facilements repérables dans votre mémoire lors de vos recherches. Vous pouvez également ajouter des mots clés selon les saisons ou les catégories d’images comme paysages, flore, portrait ou abstrait.

Appliquez ce système dès maintenant à tous vos nouveaux fichiers sauvegardés, et allouez-vous du temps pour mettre à jour vos anciens fichiers de la même façon. Vous en serez ravis lorsque vous aurez à retrouver vos photos.

À la prochaine, d’ici là, je vous encourage à poursuivre votre passion.